Calladitas se ven más bonitas

   Después de haber desaparecido un rato de estos virtuales lares, he decidido regresar con una lista. ¿Por qué? Porque me encanta escribir de arte y recomendar cosas XD. De hecho, es posible que esta sea la primera de muchas, ustedes díganme si les late o no.

   En fin, hoy hablaré de las que considero son las 15 mejores películas mudas. He determinado el orden en base a cosas muy sencillas: qué tanto me gustan (obviamente), qué tan revolucionarias fueron, su dirección, guión, producción, influencia, etc. Desde luego, es exclusivamente mi opinión la que aquí se expresa, por lo tanto se aceptan comentarios de acuerdo o en desacuerdo, mentadas, etc. Sin más, les invito a seguir leyendo y, si no han visto alguno de los títulos, ¿qué están esperando? Les aseguro que no se van a arrepentir.

Calladitas se ven más bonitas

Las mejores 15 películas mudas

15.- The Call of Cthulhu

("El llamado de Cthulhu") 2005, Estados Unidos, 47 min.

Director: Andrew Leman. Con Matt Foyer y John Bolen

¿Una película muda en 2005? Así es. La intención de los realizadores (The Howard Philip Lovecraft Historical Society) fue crear una película tal como se hubiera visto de haber sido creada el mismo año en que se publicó el cuento (1926). El resultado es asombroso. Para empezar, me atrevo a decir que es la mejor adaptación de un cuento de Lovecraft jamás hecha, y se han hecho muchas. La película logra la atmósfera tan caracerística del brillante escritor, valiéndose exclusivamente de métodos cinematográficos de aquella época. Un logro destacado del cine independiente, nadie que se precie de ser fan de Lovecraft, como su humilde servidor, puede perderse esta película. La música es excelente, la narrativa bien pensada y la dirección brillante. 

14.- Der Golem, wie er in die Welt kam

("El Golem: Cómo llego al mundo") 1920, Alemania, 85 min.

Director: Paul Wegener. Con Albert Steinrück y Lyda Salmonova.

Precuela a la película Der Golem de 1915, dirigida también por Wegener, cuenta la historia de la persecución de los judíos en la Praga del siglo XVI. Para defenderse, el rabino Judah Loew recurre a la antigua magia de su pueblo para crear al Golem. Una historia conocida, pero excelentemente bien contada. La escenografía estuvo a cargo del arquitecto Hans Poelzig, quien logró crear una atmósfera sumamente sugestiva. Esta película es uno de los higlights del expresionismo alemán. Sumamente recomendable.

13.- The Hunchback of Notre Dame

("El jorobado de Notre Dame") 1923, Estados Unidos, 100 min. 

Director: Wallace Worsley. Con Lon Chaney, Sr. y Patsy Ruth Miller.

Del clásico cuento de Victor Hugo con el hombre de las mil caras. ¿Qué más se puede pedir?. Ya se: sets exageradamente bien hechos, recreando el Paris del siglo XV. Más de 750 técnicos trabajaron en esta película para contstruir la reproducción de la catedral y sus alrededores, misma que permaneció hasta que la consumió un incendio en 1967. Lon Chaney, como casi en todas sus apariciones, diseñó su propio maquillaje, siendo el de esta película tan extremo en su estructura que dicen que sufrió terribles dolores por el resto de su vida. En fin, esta película sentó las bases para algunos de los mejores filmes del género de terror, incluyendo The Phantom of the Opera. Un must.

12.- Le Voyage dans la Lune

("El Viaje a la Luna") 1902, Francia, 14 min.

Director: Georges Méliés. Con Victor André y Bleuette Bernon.

Con todo el espíritu de Verne y Wells, es tan sencillo como que hablamos de la primer película de ciencia ficción. Son 14 minutos de narrativa, si bien primitiva, muy poderosa. Imágenes carnavalescas, efectos innovadores y tecnología prácticamente sin precedente, hacen de Le Voyage dans la lune una de las obras más trascendentes de la historia del cine. Algunos la han considerado un ejemplo temprano de patafísica en el arte, mostrando "lo ilógico del pensamiento lógico". En fin, este filme está completo en youtube. No hay pretexto.

11.- La Passion de Jeanne d'Arc

("La pasión de Juana de Arco") 1928, Francia, 110 min.

Director:  Carl Theodor Dreyer. Con Renée Jeanne Falconetti y Antonin Artaud.

La dirección de cámaras que tiene esta película es impresionante. Podemos decir que fue en este film que se definieron las bases del primer plano del rostro en el cine. A los actores no se les permitió usar ningún tipo de maquillaje para poder explotar la expresividad de sus rostros como medio narrativo, logrando algunas de las interpretaciones más memorables de la historia. Falconetti fue considerada una de las mejores actrices de su época (aunque este fue su segundo, y último, papel en el cine) y, para conocedores, Antonin Artaud no deja en esta cinta nada que desear. Curiosamente, La Passion de Jeanne d'Arc fue considerada una película perdida durante mucho tiempo (un incendio destruyó el master, Dreyer murió creyéndola inrecuperable) hasta que, en 1981, se encontró una copia del original en el closet de un conserje, en una institución mental de Oslo. Las cosas de la vida. 

10.- Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

("Nosferatu, una Sinfonía de Horror") 1922, Alemania, 94 min.

Director: F. W. Murnau. Con Max Schreck y Gustav von Wangenheim.

Posiblemente una de las mejores adaptaciones del Drácula de Bram Stoker, y sin duda alguna uno de los vampiros mejor logrados ever. Todas las locaciones fueron escogidas a la perfección, el ritmo de la narrativa es impecable (se dice que Murnau usó un metrónomo para guiar la actuación en algunas escenas) y la intervención de Max Schreck como el conde es absolutamente terrorífica: expresionismo alemán de lo mejor. Algunas escenas de ésta película quedaron grabadas para siempre en la memoria colectiva, como la sombra del vampiro subiendo la escalera o el sol destruyéndole. Cabe destacar que la idea de que los vampiros son destruídos por el sol tiene su origen en Nosferatu. Antes de eso se tenía la noción de que un vampiro evitaría la luz solar, pero no necesariamente lo eliminaría. En la novela de Bram Stoker hay una escena en la que Dracula sale por la tarde a las calles de Londres. En fin, hay que destacar también que la compañía productora (Prana Film) no contaba con los derechos sobre la obra de Stoker, por lo que cambiaron nombres de personajes y demás. Sin embargo, Florence Stoker (viuda de Bram) los demandó y ganó. La compañía quebró y se ordenó destruir todas las copias del filme. Afortunadamente, ya se habían repartido muchas copias en el mundo, lo que permitió que esta gran obra no se perdiera. Los que no hayan visto Nosferatu, eine Symphonie des Grauens si de plano tienen tache. 

9.- The Birth of a Nation 

("El Nacimiento de una Nación") 1915, Estados Unidos, 190 min.

Director: D. W. Griffith. Con Lillian Gish y Henry B. Walthall. 

Si vives en Alabama, eres racista, crees que la esclavitud está bien, tienes una bandera confederada en tu pórtico y eres miembro activo del Klu Klux Klan, ésta película es para ti. 94 años después de su estreno, The Birth of a Nation sigue siendo una de las películas más polémicas jamás filmadas. La historia es muy sencilla: a grandes rasgos, el sur tenía razón. Los negros liberados se rebelan, cunde el pánico y los caballeros del Klan llegan al rescate. Todo durante una impresionante duración de 190 minutos. De hecho, esta película detonó el renacimiento del Klu Klux Klan, que para entonces se encontraba prácticamente extinto. Sin embargo, si se sabe ver más allá de la temática, The Birth of a Nation es una película extraordinaria. Gracias a ella, fue posible la producción de largometrajes más adelante (películas de más de 60 minutos), fue la piedra angular de la industria cinematográfica y definió el lenguaje visual del cine. La dirección es exageradamente buena, la película tiene unas tomas sublimes. Al igual que Triumph des Willens de Leni Riefensthal, The Birth of a Nation es una película que no vale por las cosas que argumenta, sino por su calidad revolucionaria en términos de producción cinematográfica. Además, no se preocupen: ningún negro fue dañado durante la filmación de esta película. Todos los "negros" que vemos eran blancos pintados. 

8.- Un Chien Andalou

("Un perro andaluz") 1929, Francia, 16 min.

Director: Luis Buñuel. Con Simone Mareuil y Salvador Dalí.

En la noche de estreno de esta película corta, Buñuel y Dalí llevaban sacos de piedras para defenderse de las represalias que esperaban del público. Por el contrario, Un chien andalou fue muy bien recibida y ambos se decepcionaron mucho ("Fue una noche menos emocionante...", dijo Dalí).  Este corto, con referencias entre otros a García Lorca y el "Platero y yo" de Juan Ramón Jiménez (que ambos detestaban) hoy sigue erigiéndose como referente inmediato del cine surrealista. Buñuel descartó en todo momento que existiese alguna interpretación real de las imágenes del Un chien andalou. Incluso aclaró, en algún escrito, que Dalí y el habían acordado que "no se aceptaría ninguna idea ni imagen que pudiera prestarse a una interpretación racional". Narrativamente hablando, hay quienes consideran que Un chien andalou es el arquetipo del video musical tradicional. En fin, véanla ya. Dato curioso: Los dos protagonistas (Mareuil y Batcheff) se suicidaron tiempo después. Mareuil se prendió fuego a si misma en una plaza pública.

7.- The Lost World

("El Mundo Perdido") 1925, Estados Unidos, 93 min.

Director: Harry Hoyt. Con Bessie Love y Lewis Stone. 

Basada en la novela de Arthur Conan Doyle, esta aventura clásica fue la primera en utilizar la animación de modelos (stop-motion) como su principal efecto especial. Es, además, la primer película que utiizó el concepto del monstruo suelto en la ciudad, que sería después utilizado en King Kong, Godzila, etc. etc. Es una película emocionante, llena de acción y escenas impactantes. The lost world fue pionera de muchas características que tendrían después hartos blockbusters hollywoodenses. Si alguien vió Up recientemente (qué maravilla, por cierto), tiene muchas referencias a esta movie. Dato curioso: fue la primer película en exhibirse en un vuelo.

6.- The Phantom of the Opera

("El Fantasma de la Ópera") 1925, Estados Unidos, 93 min.

Director: Rupert Julian. Con Lon Chaney, Sr. y Mary Philbin.

Uf, uf, uf. Sin duda alguna, la versión mejor lograda de la novela de Gaston Leroux (de las pocas que no se convierten en un melodrama cursi e insportable). El maquillaje que Lon Chaney se diseñó para su papel del fantasma es, sin duda alguna, el más brillante de su carrera. Nadie que haya visto esta película podrá olvidar jamás la escena en la que Christine le quita la máscara... dicen que, en su tiempo, la gente se desmayaba de la impresión. No lo dudo ni tantito. Con un reparto extraordinario, dirección de arte brutal y un sentido excelente de la narrativa de horror, The Phantom of the Opera sigue siendo uno de los mejores exponentes del género hasta la fecha. Inolvidable la escena del baile en la que el fantasma aparece disfrazado de la muerte roja...wow. Además fue una de las primeras escenas en intentarse producir en technicolor.

5.- City Lights

("Las luces de la Ciudad") 1931, Estados Unidos, 87 min.

Director: Charlie Chaplin. Con Charlie Chaplin y Virginia Cherrill.

Cuando se filmó esta película, el cine mudo llevaba varios años en desuso, por lo que Chaplin estaba muy nervioso, creía que la crítica la iba a destrozar... pues no. City Lights es una de las mejores comedias románticas de la historia, con el toque que solo el gran Chaplin era capaz de imprimir a sus obras. Es de ese tipo de cosas que no es fácil describir, que uno tiene que ver por si mismo. Baste decir que este film figura entre las películas favoritas de Orson Welles, Stanley Kubrick y Federico Fellini. Dato curioso: El invitado de honor de Chaplin a la premiere de City Lights fue Albert Einstein. 

4.- The thief of Bagdad

("El ladrón de Bagdad") 1924, Estados Unidos, 140 min.

Director: Raoul Walsh. Con Douglas Fairbanks y Charles Belcher.

La producción de esta película es nada menos que i-m-p-r-e-s-i-o-n-a-n-t-e. La primera vez que vi The thief of Bagdad, no me la podía creer. Los efectos especiales son algo extraordinario, logrado de una manera tan fina que parece hecha al menos 10 0 15 años después. El diseño de los sets es perfecto, las actuaciones bien ejecutadas y el ritmo de la narrativa eficaz. Creo que es una de las primeras películas que tiene ya la estructura definida del cuento épico cinematográfico, y logra mantener al espectador completamente atrapado durante sus 140 minutos. Con todo el sabor de las Mil y una noches, The thief of Bagdad es uno de los mayores logros del cine de la historia: una película que consigue asombrar incluso a los más obtusos de nuestra generación. Impresionante.

3.- Bronyenosyets Potyomkin

("El Acorazado Potemkin") 1925, Unión Soviética, 75 min.

Director: Sergei Eisenstein. Con Aleksandr Antonov y Vladimir Barsky.

Película emblamática de propaganda Soviética, Bronyenosyets Potyomkin fue considerada, alguna vez, la mejor película jamás filmada. En este film, Eisenstein puso en práctica todas sus teorías respecto a la producción cinematográfica, produciendo una obra que ha sido unánimamente aclamada durante décadas. Sea cual sea la ideología del espectador, Eisenstein logra ponerlo del lado de la revolución rusa y detestar el regimen tzarista. El público se siente identificado con la tripulación del acorazado, que sufre constantemente los abusos de sus superiores, avanzando la película hasta llegar al clímax de la masacre de Odessa. Bronyenosyets Potyomkin es el epítome del espíritu de la lucha de clases, de la inquietud socialista, del turbio inicio del siglo XX. Dejen la ideología de lado y véanla. Básica, básica, básica. Dato curioso: era la película favorita de Chaplin. 

2.- Das Cabinet des Dr. Caligari

("El gabinete del Dr. Caligari") 1920, Alemania, 71 min.

Director: Robert Wiene. Con Werner Krauss y Conrad Veidt.

Una obra de arte total, posiblemente el mejor exponente del expresionismo alemán. Si alguien me preguntara qué significa la dirección de arte en una película, los remitiría a Das Cabinet des Dr. Caligari. Hay tanto que decir respecto a esta película; empezaré diciendo que es, posiblemente, la primer verdadera película de terror. Es también la primer influencia del film noir y punto de referencia para directores de todos los momentos del cine. El diseño de los escenarios caóticos, distorsionados, oníricos (que por cierto, estaban hechos enteramente de papel, las sombras estaban pintadas) ha sido imitado muchísimas veces, raramente igualado; el juego de luz y sombras presente en ésta película fue retomado en todas las disciplinas del arte. Ver Das Cabinet des Dr. Caligari es como sumergirse en una pesadilla, en un mundo irreal donde todo cuanto percibimos está alterado y estamos a merced de personajes terribles, macabros. Obscura y profunda, esta película es el ejemplo perfecto de que la creatividad no puede ser limitada por, ni depende de,  ningún presupuesto o barreras técnicas (aprende, Michael Bay). Dato curioso: Das Cabinet des Dr. Caligari iba a ser dirigida, en un principio, por Fritz Lang.

1.- Metropolis

1927, Alemania, 153 minutos.

Director: Fritz Lang. Con Brigitte Helm y Gustav Fröhlich.

Mi personal e indiscutible número uno. Quintaesencia del expresionismo alemán, del futurismo, de la película distópica, de la ciencia ficción y de la crítica social; Metropolis es una de esas pocas películas en las que todo es perfecto: la dirección, el arte, la producción, el guión, las actuaciones, la edición, etc. etc. El diseño en Metropolis, tanto de locaciones como de props, fue de un grado revolucionario tal que influenció la arquitectura y el diseño industrial en el mundo real (prácticamente detonó el streamline moderne). La arquitectura de Metropolis (aunque el estilo general de la película es expresionista) es una mezcla de Art Decó y modernismo, con un caracter visionario respecto al rumbo que tomaría la idea de ciudad que simplemente no se puede creer. En fin, Metropolis es tan densa, compleja y profunda que sería rídiculo de mi parte pretender hacer un análisis serio de ella en este post, por lo que concluiré diciendo solo que de verdad tienen que verla; más aún si se dedican al arte o algo alrededor de. Para arquitectos, Metropolis es indispensable. 

Datos curiosos: Fue una de las películas más caras de su tiempo, tuvo alrededor de 37,000 extras, fue la primer película en ser registrada por la UNESCO como patrimonio de la humanidad, C-3PO de Star Wars está basado en el maschinenmensch de Metropolis y, se dice, era una de las películas favoritas de Adolf Hiter.

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Eso es todo, amigos. Espero que hayan disfrutado el post y les hayan quedado ganas de ver alguna de las películas enlistadas. La buena noticia es que pueden conseguirlas todas fácilmente y por menos de 80-90 pesos.

Dr. Acula, over and out.